miércoles, 13 de noviembre de 2013

Dos mujeres. Dos artistas en el Siglo XX

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Alba Molina esta de vuelta, y vuelve para hablarnos de dos mujeres influyentes en la historia del arte durante el Siglo XX, ellas son Frida Kahlo y Ljubov Popova. Habrás oído hablar de ellas, pero Alba nos las presenta mejor a ellas y su obra.

Nuevo realismo en México.

arte, Frida Kahlo, Mexico, pintura, mujer, artistaMagdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo (1907-1954) fue una mujer con una vida poco convencional: bisexual, cruzada por el infortunio de una enfermedad infantil y por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada durante largos periodos, 32 operaciones quirúrgicas, amante de Leon Trotsky. De su mano unas 200 obras, en su mayoría autorretratos, donde con la maestría de su fina pincelada dejó plasmado sus unidas cejas y escaso bigote. Todos ellos muestran de forma poética su dolor y su pasión. El trabajo de Frida, algunas veces fantástico otras sangriento, ha sido definido como surrealista, al respecto una vez ella comentó que nunca había pensado en que ella era una surrealista 'hasta que Andre Bretón vino a México y me lo dijo'. 'El trabajo de Frida Kahlo es la mecha de una bomba' escribió de admiración Bretón. Sin embargo, Frida evadía todo tipo de etiquetas. Su principal biógrafa, Hayden Herrera, apunta que, incluso en sus más complejas y enigmáticas pinturas, Frida está 'con los pies muy sobre la tierra' al representar imágenes reales de la forma más literal y directa. Como es el caso del arte típico mexicano, las pinturas de Frida hechos y fantasías se entremezclan como si fueran inseparables e igualmente reales.

'Piensan que soy surrealista, pero no es cierto, no lo soy. Yo nunca he pintado lo que sueño. Yo pinto mi propia realidad'
 

Una obra seductora y de lo más intensa, en la que la musa aparece vistiendo un corsé de acero con una columna rota dentro del cuerpo. Frida muestra con ironía y ensueño los momentos más dolorosos de su vida. Una imagen frontal que desafía con crudeza y sin privilegios la realidad de su propio destino. Una verdad desnuda que se complace en lo manifiesto de la angustia que arrastra. Espinas clavadas que a todos en algún momento nos hacen sacar nuestro yo más profundo; ella nos lo muestra a pecho descubierto. Sincero, poético y muy muy íntimo.

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'La columna rota' 1944. Óleo sobre lienzo. Colección de la Fundación Dolores Olmedo, México D.F.

Frida comenzó a pintar a los 18 años, tras sufrir un accidente que la marcó de por vida, tanto física como emocionalmente. Es en el arte donde encuentra la forma de superar ese camino tortuoso que le tocó vivir. Influida por el arte popular mexicano y por el realismo de su marido Diego Rivera, sus cuadros, en apariencia ingenuos, se centran en su sufrimiento personal. La intensidad y sinceridad de sus autorretratos muestran la pasión de un diálogo interior (tantas veces necesario) y la forma directa en que cuenta su historia. Además, pintó numerosos bodegones y escenas costumbristas que representaban la vida diaria del mexicano medio. Algunos de sus cuadros más enigmáticos se acercan al surrealismo. Dejó este mundo a los 47 años, tras una larga enfermedad.


Constructivismo en Rusia


En 1889 nace en Iwanowskoje, cerca de Moscú, la que será una de las artistas más relevantes de la escena vanguardista rusa. En el escenario del arte ruso del primer cuarto del siglo Ljubov Popova destaca por su entrega a la búsqueda de un vocabulario plástico que respondiera a los principios del Constructivismo desde el campo pictórico, entendió que la construcción pictórica era el paso previo a la construcción real tridimensional.


Durante los primeros años de la Revolución benefició al gobierno con su peculiar arte, creando carteles de propaganda, diseños para libros y decorados de teatro. Realizó su primera obra cubista tras finalizar sus estudios en el París de 1912. La autora desarrolló un estilo de cubo-futurismo ruso partiendo de una síntesis de las refracciones del cubismo francés y las líneas de fuerza, repeticiones secuenciales y un vivo uso del color claramente inspirado en el futurismo italiano.

La breve trayectoria artística de Popova se sintetiza en dos etapas: la adopción del vocabulario cubista y el desarrollo del lenguaje no-objetivo constructivista. Las revistas de arte y la colección de Sergei Shchukin la inspiran en el mundo del Cubismo, lo que hace que viaje a París en 1913. Es en esta etapa donde cambia su discurso pictórico: su anhelo es desarrollar un lenguaje expresivo que fuese el resultado de la manipulación de los elementos pictóricos sobre la superficie, como afirma Dabrowski, e ilustra su obra 'Desnudo de mujer sentada' (1913-1914). Tan introducida está en el mundo del arte que acaba adoptando ciertas pautas del futurismo, especialmente la descomposición de las formas en el espacio practicada por Umberto Boccioni. Además, se inicia en la experimentación con texturas (introduce polvo de mármol y arena) con el propósito de vivificar la superficie del cuadro y conferirle densidad. Lentamente, los temas y la figuración asumen un papel secundario en su obra. 


Hacia 1916 se unió al movimiento artístico ruso Supremus y, más tarde, desarrolló un estilo propio orientado hacia composiciones más abstractas, a las que aplicó los principios constructivistas sobre la línea, la superficie, el espacio y la proporción de los colores. Hacia 1921, tras una última exposición, abandonó por completo la pintura en favor del arte pragmático. Aunque no es partidaria del arte productivista, se ve condicionada a poner su trabajo al servicio de la industria e inicia una importante carrera como diseñadora textil, de vestuario y como escenógrafa, realizando cubiertas de libros, ropa, tejidos y porcelanas. Tras su muerte en 1924 sus obras caen en el olvido, siendo re-descubierta por Barr a principios de 1960.

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'El filósofo' o 'Retrato de un filósofo' (1915), es la considerada obra maestra de Popova, el modelo es Pável S. Popov, el hermano de la autora, muy aficionado a la filosofía, la psicología y la literatura clásica. Pero la imagen del hermano sirve sólo como punto de partida para que la artista cree una imagen estereotipada con una ironía a menudo presente en las obras de la vanguardia rusa.


Autora: Alba Molina    
 
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